Il cammino dell'arte in Giappone

La produzione artistica e architettonica del Giappone va dall'epoca dei primi insediamenti umani nel paese, intorno al X millennio a.C., fino ai giorni nostri. Nella storia giapponese si nota un' alternanza tra momenti di forte influenza da parte delle idee e degli stili internazionali e intervalli in cui i contatti con il resto del mondo sono ridotti al minimo. Nel IX secolo, quando il territorio cominciò a liberarsi dell'influenza cinese e a sviluppare proprie forme di espressione, gli aspetti profani dell'arte acquisirono un'importanza sempre maggiore e fino al Quattrocento l'arte sacra e quella secolare progredirono parallelamente. In Giappone ancora oggi il pennello è uno strumento di scrittura a cui i giapponesi ricorrono spesso e sia la pittura sia la calligrafia vengono tuttora praticate a livello amatoriale. Al contrario la scultura non riscosse mai particolare favore ed essendo rimasta quasi sempre associata alla religione si avviò verso un rapido declino quando la tradizionale fede buddista cominciò a indebolirsi. La lavorazione della ceramica si distinse invece in tutto il mondo per i suoi esiti di grande raffinatezza e alcuni reperti fittili ritrovati figurano tra i manufatti giapponesi più antichi. Dalle opere architettoniche emergono infine la predilezione per i materiali naturali e il desiderio di stabilire un' interpretazione tra lo spazio interno ed esterno.

L'arte giapponese vede i suoi sviluppi a partire dall'epoca dell'arte Jomon e Yayoi fino ai nostri giorni.

Arte Jomon e Yayoi

La cultura che caratterizza tutto il Neolitico giapponese è quella detta Jomon, il cui nome deriva dalla decorazione delle ceramiche con motivi di vimini intrecciati, a "cordicella". Durante il periodo Jomon gli abitanti dell'arcipelago giapponese, si dedicavano alla fabbricazione di recipienti di ceramica e di figurine in argilla, soprattutto a soggetto femminile. I vasi Jomon, che spesso presentavano elaborate forme a fiamma, sono i manufatti fittili più antichi mai giunti fino a noi.

In seguito in Giappone fiorì una nuova cultura, quella Yayoi, che prende nome dal distretto di Tokio in cui furono trovati i primi reperti. Gli yayoi, giunti nel paese intorno al 350 a.C., introdussero la coltivazione del riso in terreni allagati, le tecniche della lavorazione dei metalli, con cui produrre armi in rame e campane bronzee chiamate dotaku, nonché il tornio e i forni per la lavorazione e la cottura della ceramica.

Arte dell'Epoca Kamamura (fine 1100/1333)

L'avvento al potere della famiglia di militari Minamoto, guidata da Minamoto Yoritomo, condusse al trasferimento della sede del govero nel villaggio costiero di Kamakura, dove rimase fino al 1333. In questo periodo la produzione artistica è caratterizzata da un grande realismo e insieme dalla ripresa dell'antica tradizione.

Uno stile molto originale improntato a un marcato realismo è caratterizzato della scuola kei, il cui maggior esponente fu lo scultore Unkei. L'orientamento dinamico di Unkei è ben visibile nelle due statue dei guardiani Nio che testimoniano la tecnica del "lavoro a tasselli" adottata dalla squadra di artigiani sotto la direzione del maestro, per cui ogni sezione dell'immagine era modellata separatamente e poi unita alle altre, senza correre il rischio che il legno si spaccasse.

In questo periodo le mogli dei samurai mostravano interesse solo per apprendere la tavola dei simboli sillabici, utile per la trascrizione di suoni e idee, e molte si trovavano in difficoltà nella dei lettura dei contenenti ideogrammi cinesi. Per questa ragione il Kegon engi emaki che è l'esempio emblematico della semplicità della pittura Kamamura, contiene sia parti scritte, che non contano mai più di un certo numero di sillabe semplici, sia figure in cui i dialoghi tra i personaggi sono riportati accanto a chi parla con un metodo simile a quello dei moderni fumetti.

Ripresi i rapporti con la Cina dei Sung e degli Yuan, l'architettura religiosa giapponese fu profondamente influenzata dallo Zen, importato da monaci che avevano studiato in Cina; fu così importato in Giappone lo stile dei monasteri buddisti zen cinesi, che prese il nome kara-yo ("stile cinese"), e nei templi Engaku-ju e di Kencho-ji a Kamamura è espresso da un complesso sistema di mensole ornamentali che sorreggono il tetto.

Arte dell' Epoca Edo ( inizi 1600/1867)

All' inizio dell'epoca Edo la linea di condotta dei Tokugawa non aveva ancora condizionato lo sviluppo delle arti; a quel periodo risalgono infatti due delle migliori espressioni dello stile architettonico e pittorico giapponese, vale a dire i padiglioni della villa imperiale di Katsura a kyoto e i dipinti di Sotatsu, uno dei primi esponenti della scuola di Rimpa.

Nella villa imperiale di Katsura sono riuniti elementi classici dell'architettura giapponese e interpretazioni innovative della tradizione passata. L'intero complesso è inoltre circondato da uno splendido giardino nei cui viali è possibile fare lunghe passeggiate.

Sotatsu ideò uno stile decorativo, caratterizzato dalla ricchezza del colore e dagli eleganti motivi floreali su fondo dorato, che tanta influenza ebbe anche sulle ceramiche contemporanee. Una delle sue opere più celebri è la coppia di paraventi che illustra il Genji monogatari di Murasaki Shikibu. Un secolo più tardi Korin rielaborò lo stile di Sotatsu per creare immagini ricche e molto originali. I suoi dipinti più riusciti sono forse quelli che raffigurano i fiori di pruno che con il loro accostamento di bianco e rosso abbelliscono alcuni paraventi.

La scuola d'arte giapponese più conosciuta in Occidente è quella denominata ukiyo-e ("pittura del mondo fluttuante"), che produsse dipinti e xilografie molto interessanti. Le stampe su legno ukiyo-e apparvero per la prima volta verso la fine del Seicento, ma solo nel 1764 fece la sua comparsa la prima raffigurazione a colori, attribuita a Harunobu. Le xilografie delle generazione successive si specializzano nella raffigurazione elegante e precisa delle cortigiane. La personalità della scuola ukiyo-e che primeggiò nell'Ottocento fu Hokusai, che sfruttò il suo grande talento per la riproduzione di figure, paesaggi e scene di ogni tipo, sotto forma di stampe o dipinti. Altra grande personalità del tempo fu Hirishige, noto per le bellissime vedute di paesaggi romantici. Le angolature e le forme bizzarre che Hokusai e Hiroshige conferirono ai loro paesaggi furono fonti di ispirazione molto importanti per artisti europei quali Degas, Van Gogh, Gaugain e Modigliani.

Lo sviluppo artistico dal 1867

Negli anni successivi al 1867 si distinsero due tendenze diverse: la pittura di stile occidentalizzante, aperta agli afflussi di derivazione europea e la pittura di stile tradizionale, che fu caratterizzata dal rifiuto dei modelli occidentali. Da ciò derivarono due categorie artistiche usate tuttora: lo yoga (pittura di stampo occidentale) e il nihonga (pittura giapponese).